This song represents the feeling of a panic attack. Basically, I am talking to this feeling as if it was an entity by describing what it does to me and with this process it is getting impersonated. The song helped me to get a better understanding for this feeling as well as helping me to distance myself from it by separating it from myself.

A new Single by Amberscent, from SONO Music Family. Discover what inspired the artist, the idea and mood that led to this masterpiece.

With a background in electrical engineering, NYC-based MELFI uses his nerdy DSP knowledge to create rich and organic sound design to showcase the boundless possibilities of modern music. He possesses an eclectic catalog of Funk House, UKG, Drum and Bass, and Dubstep.

Il quinto singolo di Amberscent è il capitolo più sperimentale dell’album in uscita “Between Strength and Beauty”.
Amberscent sperimenta la fusione tra musica elettronica, musica classica e cinematica in un brano che vuole rappresentare contemporaneamente l’istantanea di un nordico paesaggio in tempesta, metafora delle sue emozioni, e il percorso per arrivarci.
Un brano che descrive qualcosa di istantaneo e determinato, pur essendo costantemente in evoluzione nel suo percorso: non è la prima volta che la musica di Amberscent porta a galla gli aspetti paradossali del tempo. Un solo istante può durare vari minuti quando le emozioni che porta con sé ci trascinano nelle nostre profondità. Come, al contrario, possiamo avere l’impressione che un tempo molto lungo sia passato anche in un solo istante, quando siamo assorti in qualcosa di molto forte.
Familiar Path è uno dei percorsi del tempo che l’artista ha sperimentato su di sé. È la foto istantanea del tempo tempestoso che l’artista subisce in base a certe emozioni, ed è contemporaneamente la delineazione esatta del percorso che attraversa quell’istante per arrivare ad essere ciò che esso stesso è: un istante di 7 minuti, e 7 minuti in un istante.
Amberscent trae ispirazione dalle ultime ricerche sul tempo secondo la meccanica quantistica, aggiungendo il suo tocco personale riguardo alla sua ricerca sulle emozioni e i sentimenti: infatti, oltre che mostrarci il dualismo che caratterizza il Tempo, con Familiar Path vuole mettere in risalto che i percorsi del “nostro tempo” (che lei definisce “tempo emotivo”) ci portano inevitabilmente a dei bivi che abbiamo già visto, a delle emozioni che sono radicate in noi e prendono sempre la stessa direzione, e che ritornano spesso quando facciamo esperienza di qualcosa di familiare. Gli attimi in cui sentiamo che qualcosa ci è familiare, per Amberscent sono i bivi di questo percorso temporale ed emotivo a cui ci troviamo davanti ogni giorno più o meno inconsciamente. E le rarissime volte che ne siamo consci, questi bivi li chiamiamo “Déjà vu”.
In altre parole ancora quindi, Familiar Path può definirsi il tentativo di Amberscent di descrivere una delle anatomie possibili del Déjà vu.

A new Single by Ladylucci, from SONO Music Family. Discover what inspired the artist, the idea and mood that led to this masterpiece.

A new Single by Amberscent, from SONO Music Family. Discover what inspired the artist, the idea and mood that led to this masterpiece.

Satanic S’mores is an actor, writer, producer and composer from Memphis, TN. So far this endeavor has produced what the artist calls \”Haunted Electric Experimental Pop Fusion\”.

The song Water explores the feeling of the weight of life being lifted by the support of water. It explores an introverted journey with the self in communion with nature. Oneself feeling the beneficial effect of nature, accepting it. It was made by stretching some modular sounds created by Dontmesswithjuan herself, glitching some foley sounds into a dancey beat and creating a vocal melody to transport you inward.

A new Album by Jeilani, from SONO Music Family. Discover what inspired the artist, the idea and mood that led to this masterpiece.

A new Album by Gintsugi, from SONO Music Family. Discover what inspired the artist, the idea and mood that led to this masterpiece.

Era un periodo in cui stavo benissimo, ero finalmente riuscito ad andare avanti dopo una rottura sentimentale, fino a quando per una settimana non mi ha funzionato il bluetooth della macchina. Questa cosa all’inizio sembrava anche essere positiva, in quanto potevo ascoltare nuove canzoni e informarmi sulle notizie del giorno, ma già al terzo giorno ero stanco volevo di nuovo la mia musica. Durante il quarto giorno di questo inferno da un momento all’altro si riconnette il telefono alla macchina, e con un sorriso a 32 denti attivo la musica, e come prima canzone parte un brano che avevo salvato un anno prima, quella canzone che eravamo soliti urlare nel traffico di Roma, quella canzone cosi tanto bella, che mi avevi portato ad odiare. Cosi percependo questa sensazione penso che sarebbe stato un bel tema da trattare in un brano.

Moments is the second single of Ladylucci’s solo project, after her debut single ‘Different’. The song was written during the pandemic lockdown in 2020, when our individual freedom was taken away and we had a lot of time to spend on our own, think and be introspective. Inspired by that, the song wants to explore the concept of freedom, which can be found in everyday moments of life and simple things like partying, dancing and laughing. It wants to send the message that we truly experience life when we feel free, with freedom being our purpose and our destination in our life path. The HipHop/Trap beat and the sonorities of the song are inspired by 2000s RnB music, as well as the stylistic choices and moodboard of the visuals, inspired by Missy Elliott’s music videos, where choreographies were a key part of the song.

Il quarto singolo apre uno dei capitoli più difficili dell’album in uscita “Between Strength and Beauty”, ed è rivolto al delicatissimo tema della salute mentale.
The Real Things ci dimostra che è possibile tuffarsi negli abissi inesplorati dei nostri sentimenti e del nostro inconscio senza soccombere, ma tornando in superficie con qualcosa in più.
Il brano è un monologo dell’artista verso una bambina che è appena riuscita a compiere proprio questa impresa. Essere consapevoli di sé, sapere chi siamo e cosa vogliamo, è sempre stato secondo Amberscent uno dei più importanti “doveri” che abbiamo come esseri umani. E, d’altronde forse il più difficile.
Con questo brano Amberscent vuole celebrare la rinascita di chi, come lei in passato, ha faticato molto per riappropriarsi dei propri pensieri e sentimenti, e quindi della propria persona.
Viviamo in un mondo che riesce ad essere molto opprimente, e secondo l’artista sono più le persone che vivono governate dalla paura che quelle che vivono mosse dal motore dell’amore e del coraggio.
E anche se entrare nelle profondità abissali della nostra mente può essere molto rischioso – l’artista si riferisce specialmente a tutto ciò che viene definito patologia mentale, e purtroppo ancora troppo spesso etichettato in modo dispregiativo – tuttavia in alcuni casi può essere l’unica vera ancora di salvezza.
In questo brano Amberscent vuole fungere da testimonianza vivente che si può risalire in superficie dopo aver toccato la sabbia del fondale della nostra mente, ed è convinta che poter raccontare come sono fatti quei rarissimi granelli sia qualcosa che ha un valore inestimabile per le persone, soprattutto per chi sta affrontando questo tipo di sofferenza.
Il messaggio di Amberscent quindi non è solo rivolto alla bambina, ma si estende a tutti quelli che si trovano tra il fondale e la superficie, e che si sentono inevitabilmente persi tra due cose che in quel momento non sembrano reali, ma che insieme costituiscono proprio la nostra realtà.

The Romanticism of Teenage Love in “Bonnie and Clyde” by Salads

“Bonnie and Clyde,” a captivating song by Salads, delves into the concept of teenage love, presenting a narrative that encapsulates the essence of romanticism. Through its evocative lyrics, melodic composition, and thematic elements, the song beautifully captures the emotions and experiences associated with young love.

Salads’ “Bonnie and Clyde” presents a narrative that mirrors the iconic story of the outlaw couple, Bonnie Parker and Clyde Barrow. However, the song transforms their tale into a metaphor for the passionate intensity and rebellion often associated with teenage love. The lyrics depict a pair deeply connected, willing to defy societal norms and embark on a thrilling journey together. It emphasizes the idea of living in the moment and cherishing the intensity of youthful romance.

The melodic composition of “Bonnie and Clyde” further enhances the song’s portrayal of teenage love. The music is filled with energetic beats, catchy hooks, and a lively rhythm, which mirrors the adrenaline and excitement that often accompany young relationships. The soaring melodies and harmonies evoke a sense of adventure and euphoria, capturing the essence of the youthful spirit.

The song incorporates themes of rebellion, freedom, and the pursuit of an unconventional love story. It highlights the notion of breaking free from societal constraints and embracing the intensity of youthful emotions. The lyrics emphasize the desire to escape mundane routines and limitations, encouraging the listener to embrace the spontaneity and passion of teenage love.

This is a song I’ve always loved, apparently far from my kind of music but actually very close to my sensitivity and my vision. It has a sort of nostalgic and ‘out-of-time’ feel, mainly given by the main vocal melody and the stunning, ‘iconic’ oboe parts. Of course, one of the most challenging aspects was keeping my style without going too far from the original. As for the sound I wanted to pursue, I based my version on acoustic guitar, coupled with a percussion set to give a rhythmic backbone that had a quite epic-folk feel. Violins used for the original oboe parts, another oboe, synths and a clean and reverberated electric guitar used to complete the arrangement and give a sort of dreamy feel. However, I think the turning point of OBITF’s version is represented by vocals, doubling and also tripling in interesting harmonies and combinations.
The desire to make my own version of this song had been in my mind for a lot of years, never to be made concrete until few months ago, when I resolved to take this challenge. What I recorded that day at home was a bare version, but having pretty much all the core elements of the final one. I must say I had quite clear ideas on how it should sound, and in no more than an hour everything was pinned down.

Songs, like people, need time to grow. This record has grown and developed alongside The American Hotel System’s musical journey as a band. It started nearly four years ago over a conversation with producer Jake Rye. Shortly after, the world was hit with the global pandemic and all of the band’s plans came to a halt. The band commented, “We’re grateful for that time as it allowed us to grow and stretch into a better version of ourselves. A year ago, we started pre-production and Jake has walked alongside us throughout the process and helped push these songs to be their best.”

From the existential yearnings of “Can You Hear It?” to the introspective mental health journey of of “Tripping,” this EP explores the complexities of relationships and the impact of our thoughts and emotions. “Fire” ignites with raw intensity, delving into the pain and growth that come from letting go of our egos. In “Seattle,” the band paints a vivid picture of growth, capturing the universal language of love and connection. “21st” reflects on the challenges of navigating the modern world while seeking personal growth and selflessness. Finally, “Not The End” offers a poignant reflection on mortality and the legacy we leave behind.

Andrea Piersimoni, giovane cantautore molisano, mette in gioco la sua parte più intima tra influenze pop ed elettroniche. \”Cerco una musica che sollevi, che sia un filo conduttore tra anime, che alleggerisca i pensieri\”.

A new Single by ERATRA, from SONO Music Family. Discover what inspired the artist, the idea and mood that led to this masterpiece.

A new Single by Cecilia Lara, from SONO Music Family. Discover what inspired the artist, the idea and mood that led to this masterpiece.

North Manchester Trip Hop Duo

Once you remove the vail of vanity you can sense the divinity in everything.
The song builds from small fragments to massive irruption
Just like the small things contain infinite beauty also called divinity.

Il quarto singolo apre uno dei capitoli più difficili dell’album in uscita “Between Strength and Beauty”, ed è rivolto al delicatissimo tema della salute mentale.
The Real Things ci dimostra che è possibile tuffarsi negli abissi inesplorati dei nostri sentimenti e del nostro inconscio senza soccombere, ma tornando in superficie con qualcosa in più.
Il brano è un monologo dell’artista verso una bambina che è appena riuscita a compiere proprio questa impresa. Essere consapevoli di sé, sapere chi siamo e cosa vogliamo, è sempre stato secondo Amberscent uno dei più importanti “doveri” che abbiamo come esseri umani. E, d’altronde forse il più difficile.
Con questo brano Amberscent vuole celebrare la rinascita di chi, come lei in passato, ha faticato molto per riappropriarsi dei propri pensieri e sentimenti, e quindi della propria persona.
Viviamo in un mondo che riesce ad essere molto opprimente, e secondo l’artista sono più le persone che vivono governate dalla paura che quelle che vivono mosse dal motore dell’amore e del coraggio.
E anche se entrare nelle profondità abissali della nostra mente può essere molto rischioso – l’artista si riferisce specialmente a tutto ciò che viene definito patologia mentale, e purtroppo ancora troppo spesso etichettato in modo dispregiativo – tuttavia in alcuni casi può essere l’unica vera ancora di salvezza.
In questo brano Amberscent vuole fungere da testimonianza vivente che si può risalire in superficie dopo aver toccato la sabbia del fondale della nostra mente, ed è convinta che poter raccontare come sono fatti quei rarissimi granelli sia qualcosa che ha un valore inestimabile per le persone, soprattutto per chi sta affrontando questo tipo di sofferenza.
Il messaggio di Amberscent quindi non è solo rivolto alla bambina, ma si estende a tutti quelli che si trovano tra il fondale e la superficie, e che si sentono inevitabilmente persi tra due cose che in quel momento non sembrano reali, ma che insieme costituiscono proprio la nostra realtà.

“If it were a tarot card, the album would be the Nameless Arcane.
Born of desolation and great solitude, it rests on the backbone of things. It’s a direct confrontation with reality. A disappointment, but also the realization that you can sometimes find nourishment where you’ve never looked. And the endurance to carry on, despite everything”.

No Master is a contrasting track from chorus to verse with a grimy vibe switching into the the feel good guitar licks during the chorus. The track celebrates freedom and trying to control ones own existence in a world filled with social, religious and political oppression.